Prepress permet de prédéfinir des styles de traitement d’image, puis de les appliquer d’un geste au moment de préparer ses fichiers. J’ai pris le temps d’explorer les styles disponibles et d’éprouver ceux qui tiennent la route à l’usage. Voici ce que cette exploration m’a appris, et les raisons qui m’ont donné envie de la partager.
La commande de départ est celle-ci, et elle n’a pas bougé d’un mot :
Une femme travaille seule dans un atelier, en fin de journée
Onze mots. Un sujet, un lieu, un moment. Aucun terme visuel : ni cadrage, ni lumière, ni technique, ni palette. C’est la formulation que la plupart des gens écrivent quand ils demandent une image, et c’est pour cette raison que la plupart des images générées se ressemblent.
Voilà ce que le modèle produit seul. Sujet centré, lumière chaude rasante venue d’une fenêtre hors champ, arrière-plan flou, peau lissée, poussière en suspension dans un rai de lumière, atelier rangé, aucun désordre, aucun accident. Vous l’avez déjà vue mille fois.
Pourquoi obtient-on toujours cette image ?
Un modèle de génération ne cherche pas une image intéressante. Il cherche l’image la plus probable au regard des mots que vous avez écrits. Sans indication de rendu, « probable » signifie le centre statistique de tout ce qui a été étiqueté avec ces termes pendant l’entraînement.
Ce centre est constitué en grande partie de photographies de banque d’images et de contenus promotionnels, car ce sont les images les plus abondantes et les mieux légendées du web. D’où la lumière dorée, le cadrage centré, la profondeur de champ courte et l’absence totale de désordre. Ce n’est pas un style. C’est une moyenne.
Toute direction artistique consiste à s’éloigner volontairement de cette moyenne, et à décider dans quelle direction.
Quelles sont les trois couches à distinguer ?
La confusion la plus répandue consiste à croire que diriger une image revient à choisir une technique. On remplace « photo » par « aquarelle », on obtient une aquarelle, on estime le travail terminé. Il ne l’est pas, et les vingt exemples qui suivent le montrent assez vite.
Une direction complète repose sur trois couches distinctes :
Le thème. Ce qui est représenté. Le sujet, le lieu, l’action, le moment. Ici : une femme, un atelier, la fin de journée, le travail en cours. Cette couche reste fixe dans l’exercice, et c’est ce qui rend la comparaison lisible.
Le concept créatif. Ce que l’image dit du thème. C’est la couche qui décide du moment retenu, de la distance, de ce qui entre dans le cadre et de ce qui en sort, de la présence ou de l’absence de la personne. Un même atelier photographié pour montrer un geste ou pour montrer un lieu ne donne pas deux versions de la même image, il en donne deux différentes.
Le style de rendu. Comment l’image est fabriquée. Support, optique, lumière, grain, palette, époque de la technique. C’est la couche la plus facile à écrire, la plus visible, et la moins déterminante.
La plupart des séries d’images générées ne font varier que la troisième couche. Elles produisent la même photographie avec des filtres différents. Les directions ci-dessous font varier les deux dernières, et l’écart est d’un autre ordre. Chaque cadre s’ajoute à la commande de départ, sans la modifier. Ils sont écrits pour être copiés tels quels.
Que montre la comparaison ?
Les directions qui ne touchent qu’au rendu produisent des variantes. Celles qui modifient le concept produisent des images différentes. Comparez le 01 et le 06 : même thème, même époque de technique, mais l’un montre un geste et l’autre une absence. Aucun réglage de rendu ne fait franchir cet écart.
Le modèle n’oppose pas la même résistance partout. Les cadres photographiques sont exécutés presque littéralement, car ils correspondent à ce que le modèle a le plus vu. Les cadres graphiques dérivent : le pictogramme revient vers l’illustration, l’axonométrie récupère une perspective, la coupe technique se remplit de détails inutiles. Plus le rendu demandé est pauvre en information, plus il faut le contraindre explicitement, car le modèle a tendance à en ajouter.
Les contraintes négatives fonctionnent mal. Écrire « pas de profondeur de champ courte » donne un résultat moins fiable que « tout le plan net, du premier au dernier plan ». Formulez ce que vous voulez obtenir, pas ce que vous voulez éviter.
Le rendu par défaut revient dès que la direction devient vague. Sur les vingt cadres, ceux qui laissaient une couche implicite ont ramené la lumière dorée et l’arrière-plan flou par la porte de service. La direction n’est pas une préférence exprimée, c’est une contrainte fermée.
J’ai mis du temps à comprendre ce point. Sur une série produite pour un projet éditorial, les images semblaient cohérentes entre elles, et je mettais cette cohérence au crédit de la direction que j’avais écrite. En changeant complètement de sujet pour un autre chapitre, j’ai retrouvé exactement la même lumière et le même traitement d’arrière-plan.
